Krzysztof Szymanowski urodził się w 1967 roku w Bydgoszczy. Zainteresował się fotografią na kółku fotograficznym w szkole podstawowej i dzięki swojemu ojcu, który od wczesnych lat sześćdziesiątych aktywnie powiększał rodzinne archiwum i organizował pokazy slajdów dla rodziny i znajomych. Z tego okresu nie zachowały się żadne zdjęcia,o których by pamiętał. Po ukończeniu studiów na wydziale budownictwa lądowego wyjechał za granicę,gdzie bardzo aktywnie zaczął dokumentować fragmenty rzeczywistości, które go interesowały, najpierw przy pomocy aparatów produkcji radzieckiej, a po zakupie w Szwajcarii aparatu Minolta z całym zestawem obiektywów, poczuł, że robienie zdjęć to jedna z jego ulubionych aktywności. Od wczesnych lat dziewięćdziesiątych, był związany bardzo osobiście z działalnością bydgoskich klubów (świetlic kulturalnych) szczegòlnie klubem Trytony i Mózg - dokumentował liczne wydarzenia muzyczne i kulturalne, zarówno w Polsce jak i za granicą. Nigdy nie zdecydował się na sprecyzowanie jednego podejścia, choć unikał kreowania wydarzeń, czy kompozycji, które chciałby fotografować, na rzecz wnikliwej obserwacji rzeczywistości i próby zapisania swoich emocji. Jego zdjęcia były publikowane w licznych magazynach muzycznych, a także biografiach, okładkach płyt i na plakatach. Ostatnio ukazał się album MÓZG 30, w którym zawarta została część archiwum zdjęciowego z 30 lat działalności klubu Mózg. Brał udział w kilku wystawach zbiorowych i udostępniał zdjęcia do urozmaicania wydarzeń jubileuszowych i muzycznych. Oprócz fotografii zajmuje się również ceramiką, roślinami, zwierzętami, światem i jego problemami, muzyką, gotowaniem, kawą, a czasami sobą.
“Perceptual feedback” - performance-instalacja interaktywna
Wiodącą ideą performansu jest badanie możliwości wprowadzenia performerów w specjalny
stan świadomości poprzez pracę z perceptualnym sprzężeniem zwrotnym: trwałej pętli
między układem motorycznym a zmysłem wzroku, która pojawia się, gdy wizja jest
stymulowana przez ruch, a następnie percepcja wzrokowa tego ruchu wywołuje nowy ruch,
którego postrzeganie indukuje kolejny ruch itp. w niekończącej się pętli sprzężenia
zwrotnego. Narzędziem wykorzystanym w performansie do osiągnięcia sprzężenia jest
instalacja performatywna, integrująca ruch z obrazem wideo poprzez autorską technikę
interaktywną dzięki której występujący tworzą na żywo sobą i swoim ruchem wirtualny efekt
graficzny, widząc go na bieżąco w projekcji wideo. W opisywanym performansie pętla
percepcyjnego sprzężenia zwrotnego spełnia rolę zewnętrznej siły sprawczej, która zastępuje
wewnętrzną motywację performerów i staje się motorem ich działania.
Małgorzata Haduch - ruch
Marta Mandaryna Wiśniewska - ruch
Aleksandrov Kyrillos - ruch
Michał Osowski - instalacja, muzyka
Małgorzata Haduch – tancerka/choreografka, absolwentka School for New Dance
Development w Amsterdamie (2004), związana jest z holenderską i polską sceną free
jazzową i punkową. W ostatniej dekadzie współpracowała z takimi znakomitymi muzykami
jak: Ab Baars, Wilbert de Joode, Andy Moor, Paulina Owczarek, Marcin Masecki, Arvind
Ganga. W 2013 roku założyła własny zespół Help Me To Crash, z którego narodził się
najważniejszy duet artystyczny z Marią Mavridou i ich wspólny performance No Sugar No
Candy. Haduch była dwukrotnie Stypendystką Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa
Narodowego oraz kilkakrotnie nagrodzona dofinansowaniem z Instytutu Adama Mickiewicza
– Program Kultura Polska Na Świecie. Jest laureatką Stypendium Twórczego Miasta
Krakowa, Stypendium Rządu Meksykańskiego dla Obcokrajowców oraz Programu
Wspieranie Aktywności Międzynarodowej. Uczy techniki Flying Low, kompozycji i
improwizacji na Kursie Choreografii Scenicznej w Krakowie oraz w ramach sezonowych
warsztatów Praktyka Improwizacji i Performance (PIP).
Marta Mandaryna Wiśniewska – jedna z najbardziej rozpoznawalnych artystek w Polsce. Jej
głównym językiem ekspresji jest taniec. W 2021 roku Mandaryna zadebiutowała w
eksperymentalnym performensie "oŚĆ!" w reżyserii Małgorzaty Haduch. Jest to debiut
Wiśniewskiej, gdyż kreuje język ekspresji, jakim do tej pory się nie posługiwała, używa
głosu a cappella, za którym podąża minimalistycznym ruchem. Kolejna współpraca artystek
miała miejsce w 2024 roku w produkcji spektaklu 15 sekund sławy (Program OFF
POLSKA), w którym Marta odegrała kluczową rolę w instalacji scenograficznej autorstwa
Pawła Łubkowskiego.
Aleksandrov Kyrillos – artysta interdyscyplinarny, performer, improwizator urodzony w
Mariupolu, Ukraina. W wieku 14 lat zaczął improwizować ciałem i słowem, w obrębie
kultury hip-hop, która nauczyła go obserwować i samplować. Teraz pracuje z nowymi
mediami, korzysta z fotografii, wideo oraz rzeźby interaktywnej. W 2017 roku Aleksandrov
zaczął współtworzyć niezależną inicjatywę off-teatralną o nazwie Scena Supernova,
wymieniając się doświadczeniami z artystami z różnych dziedzin. Studiuje na Akademii
Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie na wydziale intermediów. W swoich pracach
Kyrillos eksperymentuje z różnymi formami wyrazu artystycznego, takimi jak performance,
happeningi, instalacje, czy wideo-art.
Michał Osowski – kompozytor działający interdyscyplinarnie. Studiował w Instytucie
Sonologii w Konserwatorium Królewskim w Hadze, kompozycję w Konserwatorium
Muzycznym Codarts w Rotterdamie, jak również techniki interaktywne w IRCAM-ie w
Paryżu. Prezentował swoje prace zarówno w kontekście artystycznym jak Cinémathèque
Française w Paryżu, czy festiwal De Wereld van Witte de With w Rotterdamie, ale również w
miejscach niekonwencjonalnych: budynkach publicznych, ulicach, parkach, szkołach.
Tworzy projekty oparte na użyciu instalacji interaktywnych własnego pomysłu zapraszając
odbiorców do aktywnego i spontanicznego uczestnictwa. Mieszkając w Holandii zrealizował
kilka tego typu autorskich projektów m.in. Tracking Rotterdam (2009-2012), Tussen
Beweging en Geluid (2016), Cool in Beweging (2018) we współpracy z różnymi instytucjami
i fundacjami, angażując w uczestnictwo lokalne społeczności. W 2020 otrzymał stypendium
Ministra Kultury. W ostatnim czasie uczestniczy w projekcie Twórcze preteksty - Wspieranie
rozwoju osobistego i społecznego dzieci i młodzieży we Wrocławiu.
https://artoffice.info/kunstenaar/michal-osowski/
Wykorzystując dwa instrumenty akustyczne jako punkt wyjścia, JJ-Duo tworzy muzykę, która z dzikim szaleństwem chwyta i wciąga słuchacza w muzyczną sferę duetu. Czasami grają intensywnie i kompleksowo, z większą liczbą warstw muzycznych niż nasi artyści mają palców, ale czasem też rozpuszczają go w kontemplacyjny brzęk, który pozwala widzowi złapać oddech... A potem bez lęku rzucają się w coś nowego. Do przodu! Rajd nad przepaścią – czy polecą, czy spadną płasko na ziemię.
Jørgen Teller ma za sobą długą karierę jako gitarzysta elektryczny, wokalista, muzyk elektroniczny i wykonawca. Wydał wiele płyt solo oraz z Jørgenem Tellerem i The Empty Stairs. Współpracował / występował także z wieloma duńskimi i międzynarodowymi artystami, takimi jak Rhys Chatham, Tony Conrad, Fast Forward, Coal Hook (w Ron Schneiderman (Sunburned)), Sofia Härdig, Otomo Yoshihide, Peter Ole Jørgens, Minna Weurlander, Johannes Nästesjö, Oda Dyrnes, oraz Tania Naranjo.
Johannes Nästesjö pracuje jako profesjonalny kontrabasista i nauczyciel w zakresie muzyki improwizowanej i współczesnej, ale także współczesnego jazzu, muzyki teatralnej i muzyki dla dzieci. Jego ciekawość, pasja i chęć głębszego zagłębienia się w muzykę doprowadziły go do współpracy z wieloma muzykami i tancerzami na całym świecie. Ma dedykowane cztery współczesne utwory solowe i w duecie, a niedawno przeprowadził badania artystyczne (dyplom Advanced Post Graduate Diploma) w Rytmicznym Konserwatorium Muzycznym w Kopenhadze.
Ryosuke Kiyasu działa jako solista na werblu od 2003 roku i jest również znany jako
perkusista w SETE STAR SEPT, Kiyasu Orchestra i zespole pana Keiji Haino „Fushitsusha”.
Znany jest również jako członek-założyciel “The Endless Blockade” w Kanadzie. Jego
solowe występy można było zobaczyć w BBC News i magazynie VICE. Jego występ w
Berlinie w 2018 r. był wielkim hitem w mediach społecznościowych i uzyskał ponad 23
miliony wyświetleń. W latach 2022-2023 występował w największym na świecie festiwalu
perkusji klasycznej „Überschlag Festival”, „Dr. Martens Fest 23” we Włoszech, „Outsider
Art Festival” w Finlandii, oraz „Alternativa Festival” w Czechach. Nadal podróżuje po całym
świecie i koncertuje w różnych miejscach. W 2023 roku podczas Edynburskiego festiwalu
sztuki w Anglii, krótki film przedstawiający jego grę na werblu został pokazany na wystawie
i stał się tematem rozmów. Wydał także wspólną pracę ze szwedzką marką odzieżową „Nasze
Dziedzictwo”. Wydał ponad 200 albumów, zarówno solo, jak i ze swoim zespołem.
Teaser: https://youtu.be/gSdcJOuHq8o
Kiyasu Web: http://www.kiyasu.com/
facebook: https://www.facebook.com/dr.kiyasu/
instagram: https://www.instagram.com/dr.kiyasu/
SSRI (z ang. selective serotonin reuptake inhibitor) to duet zgiersko-ksawerowski: Igor Gadomski i
Sandra Mikołajczyk. To co robią nie jest do końca łatwe do określenia ani przewidzenia, ale przy
każdorazowym spotkaniu można liczyć na to, co typowe dla dubu. Najczęściej są określani gatunkiem
reggae z łodzi podwodnej, naprawdopodobniej za sprawą wpływu łódzkiego industrialu i ciężkiej ręki
do reverbu. Inspiruje ich miasto i jego zniekształcone pojęcie o naturze tropikalnej. Rezydenci radia
Kapitał prowadzącą audycję inspirowaną kondycjami psychicznymi i okolicznościami ich powstania
(jak na przykład życie). 29 kwietnia 2024 nakładem Pointless Geometry ukazał się ich debiutancki
album.
https://pointless-geometry.bandcamp.com/
https://radiokapital.pl/shows/ssri/
https://www.instagram.com/s__s__r__i/
Object Blue to londyńska artystka, która od wielu lat jest czołową postacią w muzyce tanecznej łamiącej zasady. Od zapierającej dech w piersiach klubowej energii jej EP-ki, Hyperaesthesia, nagranej wspólnie z szefem Nervous Horizon TSVI, po pełną transu niekonwencjonalność jej najnowszego wydawnictwa dla Tobago Tracks, Grotto, wizja muzyki elektronicznej Object Blue jest nietypowa i odświeżająca.
Podczas 20th Mózg Festival zainicjowany zostanie cykl pod tytułem Bydgoskie
Spotkania Sonokinetyczne, który to narodził się w głowie Qby Janickiego przy okazji
realizacji projektu Sonokinetic.
W świetle dynamicznego rozwoju nanotechnologii oraz urządzeń mobilnych, dostępność wysokiej jakości przenośnego sprzętu audio zasilanego bateriami stała się powszechna. Świadomość tej sytuacji pozwala na stworzenie zupełnie nowego sposobu prezentacji dźwięku oraz kierunku myślenia o tworzeniu kompozycji. Pojawiają się nowe właściwości fakturalne, rozbudowany element przypadku, ruch źródła dźwięku w przestrzeni, a także przeciwfazy i wielokierunkowość. W ramach pierwszej edycji cyklu Bydgoskie Spotkania Sonokinetyczne chcielibyśmy zaprosić wszystkich chcących wziąć udział w
przedsięwzięciu, aby zabrali swoje głośniki wraz z telefonami komórkowymi na to konkretne wydarzenie, podczas którego zbiorowo odtworzymy premierową kompozycję Rafała Ryterskiego stworzoną specjalnie na potrzeby tej akcji. Poszczególne ślady utworu zostaną umieszczone w internecie i opatrzone stosownymi kodami QR. Dzięki nim każdy uczestnik koncertu / happeningu będzie mógł wybrać losową warstwę muzyczną do odtworzenia na swoim urządzeniu. Po uruchomieniu wszystkich źródeł dźwięku rozpoczniemy praktyki ruchowe ze swoimi instrumentami (głośnikami) z którymi następnie przemieścimy się pieszo z dawnej fabryki Jutrzenka do galerii miejskiej BWA, roztaczając na swej trasie przestrzenną
chmurę dźwiękową.
Okazuje się, że to już nie pierwszy raz powołujemy do życia stałą orkiestrę, która z założenia występuje podczas Mózg Festival. Przed laty była to Bydgoska Orkiestra Muzyki Współczesnej, która wykonywała kompozycje napisane specjalnie dla niej. Niestety dość szybko, z braku odpowiednich muzyków, przestała być bydgoska, a wkrótce potem idea umarła. Z okazji 30 urodzin Mózgu ogłosiliśmy nabór do Okołomózgowej Orkiestry Urodzinowej i zgłosiło się ponad 30 super muzyków, którzy zagrali pod kierownictwem Marka Chołoniewskiego. Liczba osób, które zgłosiły się do inicjatywy była na tyle imponująca, że postanowiliśmy wesprzeć działania orkiestry nazywając ją Okołomózgową i Festiwalową, a także chcieliśmy zadbać aby co najmniej kilka razy w roku pojawił się powód aby orkiestra spotkała się i zagrała wspólnie. Takim powodem jest oczywiście Mózg Festival. Tym razem orkiestrę poprowadzi Wojciech Rusin, który zapowie wydarzenie następująco:
Orkiestra festiwalowa zagra dwie animowane partytury: graficzną na elektronikę i instrumenty dęte, oraz na elektronik i większy zespół eklektyczny.
W skład orkiestry wejdą:
Anna Jędrzejewska - fortepian (klawisz)
Jacek Buhl - perkusja/perkusjonalia
Marcin Karnowski - perkusjonalia
Adam Kempa - gitara elektryczna
Kasia Golla - wiolonczela
Wojtek Więckowski - gitara
Kamil Kowalski - elektronika
Grzegorz Pleszyński - trąby własnej roboty
Krzysztof Ostrowski - trąbka
Tobiasz Mullai - saksofon
Tim Sanford - saksofon
Marek Pospieszalski - saksofon
Adam Gwizdała - trąbka
Michał Kostrzewa - saksofon
Piotr Kikta - klarnet
Nick Dunston to kompozytor muzyki akustycznej i elektroakustycznej, improwizator i multiinstrumentalista. Nazywany „niezastąpionym graczem nowojorskiej awangardy” przez New York Times, jego występy odbywały się w różnych miejscach i na festiwalach w Ameryce Północnej i Europie. Jego prace zgłębiają pojęcia pamięci przodków, ucieleśnienia i afro-surrealizmu. Jako kolaborator, współpracował z takimi artystami jak Marc Ribot, Ches Smith, Vijay Iyer, Mary Halvorson, Moor Mother, Son Lux, Lotte Anker, Elliott Sharp, Joy Guidry, Imani Uzuri i Amirtha Kidambi. Oprócz wydania siedmiu albumów pod swoim nazwiskiem, Dunston również występował na zamówienia artystów i organizacji, takich jak Wet Ink Ensemble, Bang on a Can, JACK Quartet, A L’ARME! Festival, PULSE String Quartet, a Ekmeles. W 2020 roku we współpracy z Dogbotic Labs współtworzył kurs komponowania muzyki, Ear Re-training, skupiający się na eksperymentalnych technikach i koncepcjach naginania mediów. Wydał swój trio album Spider Season w 2022 roku, w którym magazyn Pitchfork odnotował: „Nawet w trio, ciekawość Dunstona stwarza mnóstwo możliwości. Żadne dwa jego utwory nigdy nie brzmiały tak samo.” Jego twórczość można także usłyszeć w filmie Everything Everywhere All At Once z 2022 roku, który zdobył w tamtym roku Oscara za najlepszą muzykę oryginalną. Jego najnowszy album, COLLA VOCE, ukazał się w 2024 roku i został uznany za „Tak wspaniałe, jak jego poprzednie dzieło, ten nowy wytwór, który określa mianem „afro-surrealistycznej antyopery”, osiąga nowe szczyty.” Nick Dunston wygłaszał wykłady z artystami i prezentował swoje prace w instytucjach akademickich, takich jak Uniwersytet Południowej Kalifornii, California Institute of the Arts, Uniwersytet Iowa i Stony Brook University. Obecnie Dunston rezyduje i jest aktywnie obecny na scenie muzyki eksperymentalnej w Berlinie i Nowym Jorku.
Bogdan Raczyński to neuroróżnorodny, wszechobecny imigrant urodzony w rodzinie uchodźców politycznych w Polsce; obecnie mieszka w Portugalii/Szkocji. Jego twórczość sytuuje się na styku sztucznej inteligencji (AI), imigracji, natury i aktu przeciwstawiania się muzycznym normom. Produkował dla Björk i Sony PlayStation, remiksował dla Autechre, CLPPNG, Jonsi i Ulver, a także miał okazję współpracować z Aphex Twinem i Squarepusherem. Przez ostatnie 30 lat wydawał muzykę dla Ghostly, Planet Mu, Rephlex i Warp Records. Od niedawna w utworach dźwiękowych Raczyńskiego pojawiają się informacje czerpane ze środowiska: dotyczące migracji, zanieczyszczeń i sztucznej inteligencji (w sprawie którego niedawno udzielił wywiadu magazynowi Wired).
Ranter ’s Bay to solowy projekt należący do Niet F-n, włoskiego artysty dźwiękowego, muzyka i założyciela Kaczynski Editions. Bierze udział w różnych projektach muzycznych, jak na przykład Off-Keytchen, rytm rantera, oraz 23RedAnts. Często współpracuje z artystami wizualnymi, a także z zespołami teatralnymi, na przykład w Hiszpanii czy Tajpej. Jego muzyka została wydana przez Crónica Electronica, Setola di Maiale, Creative Sources, zeromoon, oraz jego wytwórni, Kaczynski Editions. Buduje swoje własne wygięte instrumente, a także często wykorzystuje w swoich utworach nagrania terenowe. Jako zwolennik wolnej kultury, wydaje swoją muzykę pod licencją Creative Commons. Podczas tego touru zaprezentuje swój najnowszy album I Will Destroy Everything I Love (KE 2023).
HOW TO KEEP YOUR MIND CLEAR?
Anna Pašić to harfistka i kompozytorka mieszkająca w Warszawie. Po wielu latach współpracy, nagrań i występów, z różnymi artystami, zdecydowała się podzielić twórczością jako solistka. Zagrała podczas W BRZASK x Ephemera, S.P.A. w Saunie (opuszczony sowiecki basen) na zaproszenie gospodarzy - Jerzego Mączyńskiego i Katarzyny Dębskiej. W 2024 otwierała wieczór przed warszawskimi koncertami Mary Lattimore (USA) oraz Piernikowskiego. W grze na harfie ceni przestrzenne brzmienie i możliwości sonorystyczne instrumentu. Wykorzystując różne techniki gry oraz looper, tworzy nawarstwione muzyczne formy. Niewątpliwy wpływ na twórczość harfistki na jej dotychczasowa współpracę z artystami takimi jak, Ben Frost (Fortitude, Raised by Wolves), Stefan Wesołowski (Wolf, Love Express. Zaginięcie Waleriana Borowczyka), oraz Piotr Kurek (Smartwoods).
Jędrzej Siwek to artysta dźwiękowy, kompozytor oraz edukator. Opowiada historie dźwiękiem. Jest twórcą muzyki post-klasycznej, eksperymentalnej, elektroakustycznej, a także elektronicznej. Prowadzi autorskie warsztaty z muzyki eksperymentalnej. Siwek jest autorem m.in. współczesnej interpretacji La Mer Claude’a Debussy’ego, czy dyptyku Music for Sci-fi Movies. Jego ostatni album Requiem miał swą premierę podczas festiwalu Sacrum Profanum w Krakowie.
Po 12 latach od ostatniego koncertu grupy, braterski kwartet producencki Tirvyous Wagon powraca na scenę wzbogacony o nową wiedzę i doświadczenia. Na 20. edycję Mózg Festivalu Marek Pospieszalski, Tomasz Sroczyński, Bartłomiej Chmara oraz Qba Janicki przygotują premierową kompozycję elektroakustyczną wykorzystującą instrumenty tradycyjne (altówka, perkusjonalia) , instrumenty budowy własnej, magnetofon szpulowy, kontrolery kinetyczne oraz szereg peryferiów analogowych i cyfrowych, służących do przetwarzania oraz wielokanałowej dystrybucji dźwięku.
Trondheim Voices to przełomowy norweski zespół składający się z grupy 6 do 12 improwizujących wokalistów, którzy stale rzucają wyzwania i zmieniają ramy tworzenia sztuki dźwiękowej przez zespół wokalny. Indywidualność każdego występującego i ich barwa w połączeniu z innymi głosami są w centrum uwagi, co skutkuje wyjątkową jakością zbiorowego brzmienia zespołu. Dzięki wielu okazji na współpracę z najnowocześniejszymi kompozytorami, takimi jak Christina Kubisch Christian Wallumrød, Marilyn Mazur, Jon Balke, Mats Gustavsson i Maja Ratkje, zespół wyrobił sobie solidną pozycję jako twórcy na scenie muzyki wokalnej i improwizowanej. Trondheim Voices odkrywa i rozwija nową muzykę przez interakcje z wokalistami, publicznością, otoczeniem i nowymi technologiami.
Wojciech Rusin to urodzony w Polsce artysta audiowizualny mieszkający w Londynie. Inspiracje czerpie z tekstów alchemicznych i gnostyckich, wczesnorenesansowej muzyki chóralnej oraz mitologii wschodnioeuropejskich. Wydał płytę "Syphon" w AD93 w 2022 roku i The Funnel w Akashic Records w kwietniu 2019 r. Projektuje i konstruuje eksperymentalne instrumenty dęte w technologii drukowania 3D. W 2020 roku wydał Meat for the Guard Dogs w Takuroku - Cafe OTO oraz kasetę Rufus Orbis dla serii Boomkat Editions / Documenting Sound. Jego muzykę prezentowano m.in. w BBC Four i BBC Radio 6, pracował z Teatrem narodowym i Southbank Centre.
W ostatnich latach Toma Kami kształtował eklektyczne, ale za to również rozpoznawalne własne brzmienie poprzez kilka występów z Livity Sound w Bristolu, a także z własnego studio mb, w którym publikowane są jego wydania, Speed Oddity. Specjalizuje się w różnorodności rytmicznej, częściowo czerpanej z jego dynamicznych setów DJ-skich, które
stały się dobrze znanymi synonimami szalonych przejażdżek po takich gatunkach jak ciężki bas, dancehall, techno, dżungla, elektro, rap i wszelkie inne style, które pasują do jego ekspresji fizycznej, a także niezwykłej energii na parkiecie. To wyjątkowe podejście pozwoliło mu koncertować po USA i Azji, a także w światowej sławy klubach, takich jak De School i Berghain, oraz występować na festiwalach takich jak Dekmantel. Poprzez swoje studio mb, Toma nadal promuje własne brzmienie i wizję, a także świeżą muzykę od nowych, ekscytujących producentów pochodzących z rozwijającej się sceny francuskiej i spoza niej.
Wstęp na wszystkie wydarzenia festiwalowe za okazaniem zaproszenia.
Bezpłatne zaproszenie można otrzymać, ze strony.
Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej i Sztuk Wizualnych „Mózg Festival“ to spotkanie artystów tworzących i poruszających się we wszystkich rejonach muzyki współczesnej, sztuki performance, audio i wideo instalacji, w których muzyka odgrywa istotną rolę.
Do udziału w festiwalu zapraszani są artyści z całego świata, gdyż jednym z założeń festiwalu jest jego wielokulturowość oraz prezentacje sprzyjające poznawaniu i rozumieniu wieloaspektowości kultur. Festiwal prezentuje najnowsze techniki wykonawcze oraz połączenia interdyscyplinarne w kontekście i poszanowaniu tradycji. Do udziału w festiwalu zapraszane są wybitne indywidualności świata sztuki oraz młodzi artyści, których dotychczasowe działania noszą znamiona wyjątkowych. Nieodzownym, w naszym odczuciu, elementem festiwalu jest także udział artystów lokalnych, spełniających powyższe założenia. Wszystkie działania artystyczne traktowane są jako środek, który prowadzić ma do głębszego poznania otaczającej nas rzeczywistości i przemian zachodzących na świecie oraz rozwoju osobistego zarówno twórców jak i odbiorców działań festiwalowych.
Aby jaśniej określić złożenia ideowe, kolejne edycje festiwalu otrzymują temat. Tematy kolejnych festiwali wynikają z siebie i dopełniają się, określając istotne myśli twórców festiwalu. Edycje festiwalu w latach 2019–2021 odbywały się pod hasłem "SZTUKA JAKO DROGA DO ROZUMIENIA". Uważamy, że sztuka, w szczególności współczesna, jest narzędziem do uruchamiania ukrytych wewnątrz mózgu możliwości percepcji i rozumienia tego, co nas otacza. Innymi słowy wychodzimy z założenia, że sztuka nie jest celem samym w sobie, a jest narzędziem do osiągania innych, głębszych celów. Sztuka pełni pewną funkcję społeczną. W różnych czasach, różne formy aktywności artystycznej pełniły różne funkcje społeczne. To samo dotyczy czasów nam współczesnych. 3 poprzednie edycje Festiwalu poruszały również tematy ściśle odnoszące się do problemów współczesnych społeczności i towarzyszyły im kolejne tematy: "COME DOWN TO EARTH", "DUCHOWOŚĆ JEST POWSZECHNA" oraz "MAKE ART NOT WAR".
W latach 2022–2025 festiwal odbywa się pod hasłem "DO NOT FORGET TO KEEP YOUR MIND CLEAR" (NIE ZAPOMNIJ ZACHOWAĆ JASNOŚCI UMYSŁU).
Uważamy, że w obecnym czasie, kiedy atakowani jesteśmy nadmiarem, często sprzecznych lub fałszywych, informacji, kiedy wiele wartości upada, kiedy zatraca się znaczenie dobra i zła, kiedy miliony ludzi żyje w niepewności, choćby z powodu niedawnej pandemii, toczących się wojen czy grożącej katastrofy ekologicznej, niebywale ważnym jest podejmowanie wysiłku dla utrzymywania jasności umysłu. Tylko jasno, samodzielnie myślący ludzie są w stanie, jako społeczeństwo, sprostać problemom współczesnego świata na poziomie osobistym, lokalnym i globalnym. Przedstawienie odpowiednio wyselekcjonowanych działań artystycznych oraz umieszczenie ich w odpowiednim kontekście może w znaczący sposób oddziaływać na zwiększenie percepcji odbiorców działań artystycznych, wykładów i spotkań, będących częściami festiwalu. Poszerzona percepcja oznacza jaśniejszy umysł, który zdolny jest do podejmowania niezależnych, mądrych decyzji.
Festiwal z założenia ma charakter międzynarodowy, zależy nam również aby z ideami Festiwalu docierać do społeczeństw w innych krajach, dlatego, dla szerszego rozumienia, decydujemy się na użycie języka angielskiego w haśle festiwalowym. Wielokulturowość festiwalu wynika z tego, iż wychodzimy z przekonania, że znajomość różnic kulturowych i świadoma akceptacja tych różnic jest podstawą do porozumienia międzynarodowego. Uważamy także, że sztuka współczesna, w tym muzyka eksperymentalna oraz wszystkie inne interdyscyplinarne formy tworzenia, wpływają w sposób znaczący na kreatywność człowieka oraz wytwarzają zdolność niezależnego, wolnego od stereotypów, myślenia. Jednostka ludzka obcująca na co dzień ze sztuką współczesną, mająca przy tym wiedzę na temat różnorodności kulturowych, otaczającej ją społeczności, ma szansę żyć w niej w sposób świadomy, pozbawiony lęków, pełen zrozumienia na potrzeby innych, ze zdolnością do stanowienia o sobie i współobywatelach, jako członek rozwijającego się wielokulturowego społeczeństwa obywatelskiego.
Mózg Festival to wydarzenie interdyscyplinarne, w którym muzyka odgrywa szczególną rolę, a poza muzyką zobaczymy performance art, instalacje audiowizualne, film, multimedia. Będzie też miejsce na wykłady, warsztaty i spotkania ze znaczącymi postaciami sztuki i filozofii. Program festiwalu będzie budowany tak aby wszystkie wymienione ze sztuk przenikały się, a spotkania i rozmowy budowały kontekst do działań artystycznych.
Festiwal nie posiada żadnych ograniczeń stylistycznych. Wykładnikiem w doborze artystów są: autentyczność prezentowanej sztuki (działania autorskie) oraz najwyższy poziom wykonawczy. Festiwalowi towarzyszą działania o charakterze edukacyjnym: warsztaty, wykłady, spotkania gości festiwalu z artystami oraz uznanymi autorytetami świata sztuki, filozofii i socjologii. Częścią projektu jest profesjonalna dokumentacja i archiwizacja audio–wideo.
Tegoroczne działania festiwalowe realizowane będą w kilku przestrzeniach: Jutrzence - budynek pofabryczny przy ul.Kościuszki 53 , Galerii Miejskiej BWA oraz klubie Mózg. Wstęp na wszystkie wydarzenia Festiwalu będzie bezpłatny, ale uwarunkowany będzie zaproszeniem, które otrzymuje się po wysłaniu maila. Jest to sprawdzony od kilku lat sposób na tworzenie społeczności festiwalowej – grupy osób, zrzeszonej wokół pewnych idei. Sposób ten stwarza poczucie uczestnictwa w określonej grupie społecznej, która powiększa się z roku na rok, pozostając jednak określoną z racji zainteresowań.
Podczas realizacji zadania deklarujemy chęć wprowadzenia w życie zasad, dotyczących zapewnienia dostępności osób ze szczególnymi potrzebami. Większość wydarzeń festiwalowych odbywać się będzie w miejscach dostosowanych do potrzeb osób niepełnosprawnych fizycznie. W klubie Mózg, gdzie nie posiadamy udogodnień dla osób niepełnosprawnych ruchowo, osoby takie będą miały możliwość wysłania zgłoszenia chęci udziału w wydarzeniu. Otrzymanie takiej informacji, skutkować będzie obecnością personelu, który pomoże osobie na wózku znaleźć się w budynku i uczestniczyć w wydarzeniu. Materiały drukowane posiadać będą QR kod – po jego sczytaniu, osoba niepełnosprawna przekierowana zostanie na stronę umożliwiającą zapoznanie się z materiałem.
Zgłoszenia o udziale osób niedosłyszących należy zgłosić na min. 7 dni przed wydarzeniem na adres: fundacja@mozg.art.pl
